Bauhaus

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Fue una muestra de post-punk de la mejor calaña, olvidemónos un poco de terminos como dark o gótico como se le da lectura en algunas partes. fue una lección 'revisited' de gran talla. Jamás escuche a un David J, tan atascado y saturado como esa noche, a la par de la base rítimica de Kevin Haskins y la guitarra tan estridente como siempre de Daniel Ash. Un Peter Murphy, con mas edad que cuando el otravez, antes brincaba y corria por el escenario hoy lo vi mas pasivo, pero igual de contundente. Este vampiro si envejecio.

Las canciones de la noche, que a mi parecer permaneceran en mis recuerdos. (el orden no significa nada).

1. KICK IN THE EYE.- todavia repiquetea en mi cabeza, ha pasado un dia despues del concierto.

2. TERROR COUPLE KILL COLONEL.- Saturadisima, estridente.

3. SLICE OF LIFE.- Se llevo la noche, me dejo sin habla y valieron la pena los empujones y brincos para llegar hasta el frente. Algo del espiritu Love and Rockets se dejo fluir, Peter solo en la pandereta, la fiesta la llevan los otros tres. Llore un poco, sí.

4. DARK ENTRIES.- El Slam adelante estaba en su momento preciso, todo un himno, hasta la cortinilla de la extinta rock 101 a todo volumen.

5. IN THE FLAT FIELD.- La canción resumio el disco, el disco mas importante se hizo presente, los fantasmas salieron.

6. IN FEAR OF FEAR.- Un momento cumbre fue cuando ese saxofon sono a ese volumen y con tal energía, basta decir que Daniel Ash parecia el mismísimo dragón erguido en los bafles y enrroscandose al salir esas llamas.

Para mi fue como escuchar un poco de todas esas bandas que editaron los mejores discos del 79 al 82, Public Image Limited, Pop Group, The Fall, Birthday Party, Gang on Four y por supuesto Joy Division.

De souvenir solo un poster, la sordera y una de las experiencias mas gratas.

1 diciembre 2005

HIT ME LIKE YOU DID THE FIRST TIME

Un disco, una canción, una imagen te golpea cuando menos lo esperas. Corría el dosmil tres, las comadrejas nos enfrascabamos en una gira por españa. No cargue ni un solo disco, mas que un cdr con las canciones de lo que seria el segundo disco de las comadrejas (we are ugly but we have the music). El resto de la musica que escucharia en las largas horas de viaje la confie en mis compañeros. Y, a pesar de que camper van bethoven ha sido uno de los grupos que mas me han dejado boquiabierto en mi vida lo que menos ganas tenia de escuchar en aquellos dias era el mas reciente disco de cracker, la banda que, tras la disolucion de camper formarian john hickman y david lowery. El disco en cuestion lleva por nombre forever. Y sonó persistentemente durante nuestra viaje gracias que nacho desorden lo compro a los primeros dias de nuestra llegada a madrid.



No estamos frente a una obra maestra, ni frente a un éxito comercial ni mucho menos ante un disco que fuera a figurar en todas esas listas de ?lo mejor del año? , estamos frente a un grupo en horas bajas, que son capaces de asimilar su estado de eternos segundones y que simple y despreocupadamente nos ofrecen más de lo que han hecho todos estos años: letras que hablan de y con un amor desparpajado y sin ganas de caerle bien a nadie, frases como ?i´m tired to be myself , let´s all be someone else?, una instrumentación sobria que peca de estandar, pero que no resta protagonismo a la fuerza de los temas y una energia de quien se sabe ha vivido mejores dias pero que se resiste a dejarlos desaparecer en las sombras del tiempo.

Pues esa fue la musica que nos acompaño en aquellos frios dias de noviembre de hace ya 2 años. Hace unos dias en el chopo el buen Damian me hizo favor de prestarmelo y de revivirme esas imágenes heladas de las relucientes autopistas españolas. La distancia desde aquellos dias me ha golpeado como el viento de Castilla lo hizo a orillas del Duero. En aquellos dias tan solo me deje llevar por lo que fuera y no fui consciente de esto hasta tiempo despues, pero los sonidos de cracker en la furgoneta, y ahora en casa escuchando una y otra vez ese disco me vuelven a decir todo aquello que no comprendi entonces. La fuerza enunciativa de las imágenes que me produce son , al menos, devastadoras. ¿a ti con que disco recientemente te ha pasado esto?

- Carlos Icaza

Kevin Shields y Patti Smith - The Coral Sea

Para todos aquellos desesperados que no soportan la idea de un Kevin Shields comiendo twinkies y viendo la tele en su londinense guarida, les comparto su más reciente aparición en público, acompañando con sus signature drones y caricias de tremolo a la primera lectura de The Coral Sea, poema que Patti Smith escribió sobre la muerte de su amigo, el fotógrafo Robert Mapplethorpe.




En esta presentación celebrada en junio de 2005 en el festival Meltdown, curado por Smith, además de una breve introducción al poema por parte de Cat Power, la guitarra de Kevin se escucha ambiental, fantasmagórica y es sólo
hacia el final cuando el característico ruido saturado y caótico fluctúa entre la voz intranquila de Patti, posiblemente el momento donde se ha desprendido de Robert.

El "espacio". Kevin es el fantasma junto a la lámpara:


Quienes estén familiarizados con aquél track titulado "2" que Kevin tocó en vivo para la compañía de teatro La La Human Steps, no esperen algo tan intenso, pero vamos, ¡es Kevin!

Tomen en cuenta que este archivo de 87 megas (cerca de una hora de duración) es sólo para fans y coleccionistas. Si soportan escuchar a través de sus bocinitas de computadora una lectura de poesía, quitándole toda la experiencia corpórea que sólo el acto in situ puede ofrecer, adelante.

Disponible en Soulseek. Y de paso la reseña del Guaridan.

Qué jazzistas tan cerdos

Quienes rebasan los 29 años, como Daniela, saben que aquello de "Lástima que terminó/ el festival de hoy..." es un "santo y seña" labrado con interminables sesiones frente al televisor cuando éste no era visto como la nana más peligrosa del mundo occidental.

Además de enseñarnos que ganarse por radio un pato negro "que hace cua-cuá" no era recomendable y de que los productos Acme llegaban rápido por correo -aunque su calidad siempre será dudosa-, El Festival de Porky nos dio a muchos entonces infantes las primeras nociones de cool jazz con Three Little Bops, una brillante paráfrasis de "Los tres cerditos y el lobo feroz" en la que los puercos hermanos eran miembros de un combo musical que dadas sus altas exigencias no abría sus filas para que un lobo con trompeta y poco talento se integrara.

Humillado por el trío -compuesto por batería, guitarra y piano- y por el público, al lobo no le quedaba sino soplar y soplar a través de su instrumento para derrumbar primero el club erigido con paja, luego el construido con madera y por último descubrir que el de ladrillos era inexpugnable. El relato tenía un narrador y necesario es apuntar que la versión doblada en español era espléndida en su forma y contenido. Con chacota y un fraseo sensacional, se aderezaban las escenas con memorables versos como éstos: "Y poco antes de lo que les cuento/ tenían una casa de puro cemento./ Y un gran letrero allí en la puerta,/ decía muy claro que el lobo no entra. (...) El lobo feroz desapareció/ y en su lugar una gran mancha quedó./ Se le buscó en todo lugar/ pero al infierno fue a parar".

Y es que desesperado ante tanto rechazo tras intentar colarse al exclusivo club con un ukelele, disfrazado en una maceta y como percusionista colegial con bombo, el lobo decide volar el sitio con un gran cartucho de dinamita y, por supuesto, se malogra su propósito, acabando su existencia en un caldero y convertido (¡hélas!) en el excelente trompetista que en vida no pudo ser. Pero como se trata de que el final feliz cobije a todos, el espíritu del antes frustrado asciende al escenario y se une al trío, que incluso cambia su nombre a "Los Tres Cerditos y Uno".


Aunque inocente en apariencia y adecuada para un horario triple A, la caricatura, estrenada en cines en Estados Unidos el 5 de enero de 1957 y luego transmitida en las pantallas chicas dentro de El Festival de Porky, contiene dos lecturas que demuestran la sagacidad del guionista Warren Foster (quien después hizo trabajos más inocentes con el Oso Yogui y Charlie Brown) y del compositor Shorty Rogers (1924-1994): la primera se relaciona con Robert Johnson (1911-1938), de quien la leyenda dice que siendo un inhábil músico, una noche, cerca de una plantación en Mississippi, se encontró con el mismísimo Diablo y éste le ofreció convertirlo en el mejor blues man si a cambio le daba su alma. Johnson aceptó. El Diablo afinó la guitarra del joven, se la regresó y éste, en menos de un año, se había convertido en el Rey del Blues del Delta, capaz de escribir, tocar y cantar las más memorables canciones del género, muchas de las cuales se pueden escuchar en el Robert Johnson: The Complete Recordings (Columbia/ Legacy, 1990), que recibió un Grammy como grabación histórica.

La otra interpretación puede parecer más desaforada, pero tras revisar la biografía de Shorty Rogers (1924-1994) es sencillo advertir que quien fue integrante del Woody Herman's First Herd conoció a muchos colegas que vivieron en el regularmente llamado "infierno de la droga". La heroína fue sustancia de uso común entre muchos músicos que recurrieron a ella para soportar y dar lo mejor de sí en extenuantes sesiones en clubes y estudios de grabación. Unos pudieron desengancharse de ella, otros no. La nómina de músicos con los que Rogers trabajó y que sabían de la angustia porque el conecte llegara a tiempo fueron, entre otros, el trompetista y cantante Chet Baker (1929-1988), el baterista Shelly Manne (1920-1984) y los saxofonistas Charlie Parker (1920-1955), Art Pepper (1925-1982) y Dexter Gordon (1923-1990).

El descenso del lobo al averno y el sonido afilado que allí adquiere permiten suponer que la idea de Rogers y Warren Foster era la misma: el infierno es insoportable, pero lo que a veces se consigue en él puede ser, artísticamente, irreprochable. De hecho, en la misma vena, Rogers había participado dos años antes en uno de los filmes clave de la relación música-infierno-drogas: El hombre con el brazo de oro (Otto Preminger, 1955), en la que Frank Sinatra encarna a un baterista que quiere enmendarse socialmente pero reincide en la droga y su drama existencial se agudiza por la presencia de una esposa chantajista y una gavilla que lo obliga a jugar sucio al póquer.

Caricatura excepcional por su tema, tratamiento y conclusión, Three Little Bops merece una revaloración tan grande como que consiguió la serie televisiva Jazz, de Ken Burns, y, ante todo, su retransmisión frecuente, aunque sea en horario para adultos.

El soundtrack completo de Three Little Bops, con narración en inglés, aparece en el álbum doble That's all Folks! Cartoon Songs From Merrie Melodies & Looney Tunes (Warner Bros., 2001). Ofrezco el oro y el moro a quien tenga la caricatura referida con su doblaje original en español.

Project SMiLE, versión 2.0 (CD-Rom)

Project SMiLE, versión 2.0
CD-ROM, 2005
Distribución Gratuita


Qué melómano no se ha enterado del despertar de Brian Wilson, un gigante que muchos creían al borde de la extinción, quien en el 2002 decidió saldar cuentas con viejos demonios personales, enfrentar el pánico escénico que en la cúspide del éxito artístico lo llevó a convertirse en un ermitaño y a perder lentamente la cordura por allá de los años 60, y que cuatro décadas después decide recuperar el tiempo perdido y venir a reclamar su trono, con una pequeña ayudadita de los Wondermints como banda base y arreglando el clásico Pet Sounds para viajar con él por las principales ciudades del mundo en una gira mareadoramente exitosa, regalo de los dioses para quienes tuvieron oportunidad de presenciar tal acontecimiento.

Y de pronto Brian, con los demonios domados, el espíritu por las nubes, rodeado de amor y la adoración incondicional de sus millones de fans, sabe que el regalo a Dios que ha postergado durante cuarenta años no puede esperar más: hay una sonrisa trascedental en forma de masters que deben ser desempolvados y reorganizados, ha llegado la hora de que el mundo conozca su "teenage symphony to God".




Es 2004 el año donde se edita el orden definitivo de aquellas composiciones conocidas hasta ahora por los fans gracias a los bootlegs pasados de mano en mano y recientemente por internet. Ningún cambio extremo más allá del orden y la sorpresa de una pieza nueva. Wilson inicia el tour SMiLE en el 2005, con los Wondermints, una orquesta de veinte músicos y el coautor de la obra, Van Dyke Parks. Pronto se sobrepasa el éxito del tour Pet Sounds. El público no puede ser más diverso: fans que crecieron escuchando a los Beach Boys, novatos entusiastas, en primera fila Paul McCartney, Elton John, toda la crítica especializada... La prensa lo califica como el disco y el acontecimiento del año.





Es así como un grupo de fans reedita en este 2005 en forma de CD-Rom titulado Project SMiLE 2, el material audiovisual más importante para entender la obra y sus momentos históricos, actualizando la documentación existente hasta antes de SMiLE 2004. A diferencia de la primera edición de Project SMiLE, en esta ocasión se han dividido dos líneas de tiempo: el proyecto original llamado Dumb Angel/SMiLE grabado por los Beach Boys en 1967 y la edición del 2004, titulada solamente SMiLE, grabada por Brian Wilson con los Wondermints. De manera interactiva podemos escuchar en formato mp3 los masters del proyecto original, divididios cada uno por su orden de aparición, así como las distintas versiones del orden "final" de las canciones, mientras leemos la historia detrás de cada pieza, conocemos los músicos de cada sesión, y las innumerables sesiones que Wilson requería hasta alcanzar la grabación perfecta, escuchándolo desde el cuarto de comando y girando instrucciones a los músicos. Se incluyen, desde luego, las letras de Van Dyke Parks, interpretaciones de las mismas, y se recopilan los mejores ensayos (más de 260) que se han escrito sobre el disco y una curiosa sección donde uno puede escoger el orden de las piezas -o segmentos de éstas- como mejor le plazca y hacer su propio SMiLE.





En la sección de videos se incluye uno donde Brian toca por primera vez Surf's Up en el piano de su casa, y el video de Fire, con Brian usando su legendario casco de bombero, justo antes de que empezara a alucinar que sus canciones generaban fuego.





Respecto a la sección de SMiLE 2004, encontramos desde set lists de todas las presentaciones del tour, recortes de prensa, una buena colección de imágenes, la banda dentro del estudio y en el tour - Brian, Wondermints y la
orquesta de cuerdas y metales de Estocolmo-, y una explicación detallada de todos los tracks finales (sólo clips en mp3). Finalmente, una sección dedicada a textos de los fans, desde ensayos, crónicas de los conciertos, hasta discusiones de la lista de internet Pet Sounds.





Project SMiLE se trata de un documento tan minucioso como divertido, indispensable tanto para melómanos conocedores del tema como para oídos vírgenes que quieran adentrarse en lo que se llegó a conocer como "el mejor disco de la música pop jamás editado". El único pero serían los limitados requerimientos técnicos para accesar el CD-Rom. Sólo está diseñado para Windows y Linux pero no para Mac, y se carga únicamente en los navegadores Internet Explorer y Firefox.

Descargable en forma gratuita desde:
http://groups.yahoo.com/group/projectsmilecd/

Links:
http://brianwilson.com/
http://www.songcycler.de/
http://www.nonesuch.com/
http://www.thesmileshop.net/

Adolescentes libres de Germenes...

X-Ray Spex.
Germfree Adolescents.
Sanctuary Records.
2005.

El acta de nacimiento del post-punk tiene la forma de un vinilo de 7 pulgadas y el nombre de X-Ray Spex impreso en él. Hablamos ni más ni menos que de Oh Bondage! Up Yours! el explosivo single que Virgin puso en circulación aquel octubre de 1977, 2:51 de pólvora caliente que explotaba con la inflamable voz de Poly Styrene y con el Sax cachondo y desatinado de Lora Logic. Así eran X-Ray Spex, irresponsables, improvisados, jóvenes y extremadamente efectivos a la hora de transmitir el virus del punk. Germfree adolescents su debut y obra definitiva vuelve a ponerse en circulación. Apenas hace 4 años Sanctuary había puesto a la venta un pedazo de historia con una jugosa antología del grupo que incluía el disco completo mas diez tomas inéditas y además con un bonus disc que incluía una verdadera salvajada en forma de concierto grabado en el Roxy Londinense, llegó a las tiendas a cuenta gotas y desapareció a los pocos meses. Hoy en plena redescubrimiento que aquel punk que funcionaba para la mente y para el cuerpo, el mismo sello vuelve a poner en circulación semejante tesoro, como debe ser, el material se remasteriza con sumo cuidado y se rescata el single que les colocó con letras de oro en la historia del punk (Oh Bondage!, UpYours!), Además agrega dos Peel sessions que ya pueden usarse como justificación para volver a comprar el disco aún si se tiene el original, por supuesto el libreto incluye notas y estupendas fotografías de las mugrosas favoritas del Sax-Punk, por supuesto con ese vestuario imposible que se adelantaba al new-wave: No-Romantics. Como siempre resulta un verdadero agasajo bailar con la mente llena de ideas clásicos destruyesuelas como I´m Cliché o I´m A Poseur. Cómo siempre será un gusto volver a esos discos en que la vehemencia adolescente estaba peleada a muerte con la estupidez.

Fantasía Stereolabiana...

Stereolab.
Oscillons From The Anti-Sun.
Duophonic UHF Disks.
2005.

Tiempos de inventario en el universo stereolabiano y enésima revisión de sencillos y E.P.´s por parte de uno de los grupos más prolíficos e interesantes de avant-pop. Ya lo decían de Stereolab, el hecho de que un ciclo esté cerrado no quiere decir necesariamente que haya que clausurarse. Porque con el grupo pasa que, si bien sus discos ofrecen poca novedad con respecto a su sonido, si remarcan esos puntos que los han hecho infalibles al oído, esas canciones bastan y sobran para entender cómo traducir la inquietud experimental de la música en un formato pop. Muchos le declararon una muerte anticipada al grupo con la muerte de su multiinstrumentista y vocalista Mary Hansen ¿Qué quedaba del grupo sin aquel dulce coqueteo vocal entre Mary Hansen y Laetitia Sadier? La respuesta vino en forma de un L.P. sólido y elegante Margerine Eclipse, un disco oscuro, primitivo y extraordinario que volvió a subir las apuestas. El combo inglés de pop motorizado estaba de vuelta y en excelente forma. Oscillons From The Anti-Sun es la nueva recopilación de E.P.´s, una cuidada y atractiva caja de tres discos y un DVD que harán las delicias del fan más exigente. Los cd´s recogen material publicado en Duophonic UHF Disks (el sello del grupo) en formato de vinilo de 10, E.P.´s que a estas alturas habrá que buscar con lupa debajo de las piedras, material de coleccionismo puro, prensado en vinilo de distintos colores con diamantinas y empacados en cartones de hermoso diseño grafico, todo en Duophonic se hace con sumo cuidado y dedicación. La recopilación recoge desde la primera referencia del sello Jenny Ondioline con sus respectivos b-sides (puro Neu! A golpe de moog) hasta el juguetón Captain Easychord cuyos lados B son casi lo mejor del lote: Long Life Love no desencajaría en el 20/20 de The Beach Boys mientras Canned Candies parece haber escapado del soundtrack que Krystof Komeda hizo para Rosemary´s Baby. A su paso por esta revisión agregan material publicado en vinilo de 7 sólo disponible en las giras (Jenny Ondioline-Alternative version) y rescatan algunos de sus mejores singles como Miss Modular y Cybele´s Reverie, todo, claro, con su respectiva cara B. Todo indispensable, pero el verdadero quid de esta caja bien podría ser el material incluido en el DVD: 8 videos y tres presentaciones para la televisión, de los videos me quedo con la chaladura spage-age de Miss Modular todo un homenaje visual al futurismo retro de los setentas, me quedo también con la pesadilla noir y fantástica de The Free Design una pesadilla poetizada. De las presentaciones, la que deja sin habla es la interpretación de Cybele´s Reverie en el programa Later With Jools Holland: ensamble de cuerdas incluido, aparición de Sean O´Hagan (The High Llamas) al órgano y una química explosiva entre las voces de Mary Hansen y Laetitia Sadier, sin aliento. Un motivo más para adentrarse en el fantástico universo stereolabiano, aquel universo en que Pop es más una divertida onomatopeya que un discurso musical cerrado.

WE HATE ROCK AND ROLL!!!

Sexo y drogas y rock and roll. El single que Mr. Dury popularizó en los 70 llevó el fastidioso lema hasta el gran público, pero incluso él parecía incomodo cantándolo, un sujeto bonachón intentando que lo captaran sus sobrinitos. La tremenda masculinidad de la frase es lo que impacta de inmediato. Es verdad que las tres cosas por separado poseen una gran capacidad de placer; pero solo a alguien que pertenezca a esa generación que vive con el pito en el puño, la misma que invento el termino fuck para describir la más tensa, tortuosa y complicada actividad actividad conocida por el ser humano, podría habérsele ocurrido juntarlas.

Una chica, una chica como debe ser, jamás soñaría en conectar esas cosas. Puede que quiera sexo, un disco soul de fondo y un cigarrillo luego; o un revolcón, un aria de la Callas y un vaso de cerveza helada.

La frase no sólo es singularmente machista, sino singularmente sixties. Los últimos años sesenta, a pesar de los pelos largos, fueron una época grotescamente masculina en lo que respecta a la cultura popular. No es que no se pudiera distinguir a las chicas de los chicos, es que no había chicas. Una generación entera de chicas fue consignada al papel de groupie, old lady? y mama; estos términos utilizados a finales de los 60 para describir a las mujeres son los menos ?sexy? jamás pronunciados, casi tanto como la banda sonora de aquella nefasta época.

Al contrario de la sensualidad en el soul, el jazz o la ópera, la sexualidad del rock es básicamente homo-erótica. Las voces del rock, fueran Dylan, Jagger o Lennon, eran asexuadas y narcisistas y por ello ahora suenan tan pasadas de moda. La sexualidad del rock es la del exhibicionista que no consigue coger, el rock se refiere a ello constantemente con la poca gracia de un Benny Hill. Cuando en los 70 surgió la nueva oleada de feminismo del siglo xx, no fue tanto una revuelta contra la sociedad convencional como contra la contracultura.

Lo hippie lo arruinó todo. Arruinó el pop y la protesta, el sexo y las drogas; mierda, acabó hasta con Jimmy Webb. Al final, acabó por arruinar los mismos años 60, pero antes de que eso sucediera, se pudo disfrutar de seguramente la mejor época de la historia en la que ser joven, libre y soltero. Un tiempo en que sexo significaba diversión, no SIDA; un tiempo en que música significaba soul y pop, no rock and roll. O sea, los sueños de cualquier adolescente sensato.

Al otro lado del charco, el primer día Dios creó al hombre y la mujer; el segundo, el dry martín, y al tercero la música de Burt Bacharach. Entonces el cuarto día el hombre creó el rock and roll y lo fastidió todo. La música rock ha hecho más por devaluar el sexo que la iglesia católica, Morrissey y el SIDA juntos. Aparentemente una bestia, es en realidad sólo un muchacho al que se le encomiendo el trabajo de un hombre: demasiado joven y apresurado. Sólo es capaz de ofrecer tres minutos de ñaca-ñaca.

El sexo era un campo de minas, los hippies lo convirtieron un una pocilga. Fueron los lemmings del amor, arruinándoselo a medio mundo y dándole a la otra mitad la perfecta excusa para condenarlo. El pánico moral que lo hippie despertó fue el combustible para el fundamentalismo moral de hoy en día. La trifulca entre los sexos, que tan bien parecía estarse resolviendo en los primeros 60, es hoy una herida abierta tras dos décadas de liberación.

Los primeros y represivos años 60 produjeron a Brigitte Bardot y Kim Novak; la liberación sexual de los últimos 60 produjo a Janis Joplin y Twiggy. Intenta descifrar esto y ya me contarás.

El amor es el mejor juego, la mejor ayuda sexual y la mejor enfermedad transmitida sexualemente. Los moralistas tienen razón, pero por las razones equivocadas; después de los veintitantos, el sexo sin amor es vulgar y destructivo. Al contrario que los moralistas, no pido menos sexo, sino más amor. Es facilísimo enamorarse, oye.

Julie Burchill. Extractos de Walk On By: The Songs Of Burt Bacharach And The Decline Of The American Orgasm. Revista The Face, Enero 1988.

Trad. José Ángel Balmori.

Straight Outta Compton

MF DOOM.
Live From Planet X.
Nature Sound/Metalface Records 2005.

La lengua de MF Doom cotiza a la alza en el grasiento mundillo del hip hop underground: Aesop Rock, El P., Prefuse 73, los indie-rapers de Anticon y una docena más se han procurado los favores del misterioso M.C. que cubre su rostro con una mascara idéntica a la que usó Russell Crowe en Gladiador. En este año en el que el hip hop ha dado más bien pocas sorpresas, el M.C. de la mascara de metal se marca un disco en directo for real e impecable, valiéndose de su increíble flow nasal y maratónico (¿overflow?). El malabarista de las palabras tiene el encantador descaro de presentar su show sin pausas a manera de un frenético medley sin respiro alguno, aquí, por ejemplo, se marca catorce piezas de su repertorio en casi cuarenta minutos y sin repetir un solo verso, apenas se detiene para tomar el oxigeno necesario para no morir y para darse un joint. Mentalmente mucha más veloz (que no verbal) que cualquier M.C. de su generación Mister Doom escupe un discurso uniforme, clasemediero e inteligente (ojo a Name Dropping) suena certero y mantiene la tensión segundo a segundo con un flow claro y rítmico, a veces parece que ladra. Las bases rítmicas también son cosa seria, negrísimos petróleos de la Stetsasonic, de Public Enemy, de Digital Underground, usando el vinilo como arma blanca el bomb squad de M.F. Doom despedaza vinilos sin el más mínimo respeto, se cargan de la Motown, de la Fania, de la A & M, y en ese afán compulsivo por ser incorrectos destrozan en la recta final del concierto a The Avalanches. Live From The Planet X es uno de esos raros discos que reviven el espíritu de las Style Wars neoyorquinas de principios de los ochentas pero sin sonar arcaicos. Porque MF Doom es vanguardista, novedoso, cachondo, tiene una lengua que vale oro puro y una cabeza con más palabras que una enciclopedia. En dos palabras: for real.

Llámenme Mister Macarra....

Bobby Conn. & The Glass Gypsis.
Live Classics Vol. 1.
Thrill Jockey 2005.


Tal parece que Bobby Conn, el perro verde de la escena post de Chicago, perdió la orbita justo después de haber grabado el maravilloso The Golden Age o era eso o Conn ya estaba demente desde antes, porque pocos discos habían sonado tan sólidos con material tan disperso, en todo caso aquella anomalía del rock queda como ejemplo de disco para los artistas que ya le han perdido el miedo al ridículo. Lo que sí, es que este amiguete de Jim O´Rourke no ha parado en lo que respecta a hacer publicas sus excentricidades musicales, si lo dudan nada más asómense a The Homeland el disco sucesor de The Golden Age: portada New Age y un explosivo contenido que era algo así como el Electric Warrior de T.Rex interpretado por una parodia de saldo de Spinal Tap, nada más había que ver a Bobby y a su banda, The Glass Gypsis (¡que gran nombre!) embarrados de lycra rosa, estolas y maquillados como si fueran un relevo generacional excesivo de The New York Dolls. Pero no confundamos las cosas porque a pesar de todos los absurdos excesos estéticos del grupo la música jamás ha sido cosa de risa, sino todo lo contrario, pocos artista de nuestro tiempo han tonteado con esa cantidad obscena de géneros musicales con tanta gracia, por lo menos no en un solo disco, porque Bobby cuando se lo propone puede sonar como lo mejor de Prince, como el David Bowie más catártico o incluso como el T. REX más electrificado. La nueva travesura de Bobby Conn y sus gitanos de vidrio es un directo emocionante y ecléctico, como es de costumbre, lo dan sin dar tregua y además vestidos como si vinieran de tomar clases de aeróbics, recogen lo mejor de su discografía e interpretan sus mitológicos clásicos con una postura escénica que ni los Monty Python. Todo aquello queda como dato curioso cuando suenan los acordes de Winners pequeña obra maestra de funk- Soul, y si, ¡Philadelphia Sound! O cuando te das cuenta de que la pegada funkadelica de No Revolution es el single por el que Prince daría su brazo derecho. Que grandes son estos payasos.

Para Alberto Mercado.

Lulú Roja Soundsystem.

1.Vibracathedral Orchestra - øyenstikker utbrudd CDR

2.My Morning Jacket - At Dawn.

2.Angus McLise - The Cloud Doctrine

4.Boris - Akuma No Uta.

5. Jack Nitzsche - Three Piece Suite: The Reprise Recordings 1971-1973.

Compiled by José Ángel from Lulú Roja Soundsystem.

Buscadora de hombres/seta en el jardín fantástico

Nuevo precioso ejercicio de orfebrería psych/folk/pop. Cuatro nuevos pasajes de tren a un mundo fantástico habitado por hadas musicales, árboles parlantes y pequeños hombres/seta que tocan pianos encantados para cambiar las estaciones del año. Prospect Hummer es el nuevo E.P. de Animal Collective, sorpresa por demás fantástica si se toma en cuenta que incluye nuevas canciones con la incunable colaboración de la grandísima Vashti Bunyan, la más dotada encantadora de melodías folk que dió Inglaterra durante la década de los 70´s. Quien no se haya procurado ya el hermoso Just Another Diamond Day (Phillips 1970) no tendrá voz ni voto en este blog. A la de 3 consíganse Prospect Hummer y escuchen la delicada voz de Vashti capaz de tejer una telaraña tonal con el delicado timbre de su voz, contrapunto interesante para el afectado helio/tono vocal de Panda Bear. Cuatro dianas para perderse en el bosque encantado lleno de criaturas fantásticas que se encuentra justo al final del jardín.

Animal Collective Feat. Vashti Bunyan.
Porspect Hummer.
Fat Cat 2005.

Dreams Come True..

Judee Sill.

mi corazón late, es la única prueba que necesitas
My Morning Jacket.


El punk, aquella hermosa utopía a la que muchos aspiramos en la pubertad, siempre tuvo una apócrifa credibilidad, sobre todo si escuchamos a Malcom Mclaren diciendo que en Sex, lo único que rifaba era beber cervezas y escuchar dub. Ya, que el único grupo punk que corrió con suerte (además mala) fueron The Sex Pistols y aquella ráfaga de ruido que concibieron no era más que la consecuencia lógica de aquella escandalosa abulia. Después de el filósofo escocés David Hume lo más punk que ha cruzado el atlántico han sido esos mocosos afectos a hacerse chaquetas en el lavabo del baño y ha batirse a escupitajos, así de jodidas están las cosas en este mundo, no queda más que relacionar el punk y a los Pistols casi por antonomasia. Pero ¿qué hay del caso contrario? Cuando se tienen los pantalones vaqueros llenos de billetes de cien dólares como Judee Sill, la prueba más fina e irrefutable de que se puede ser un verdadero hijo de puta por la vida y llegar a casa para componer canciones tan finas, hermosas y delicadas como una brisa de otoño. Judee Sill, cuerpo pequeño y hermoso cabello castaño, concibió a principios de los setentas uno de los más hermosos y frágiles tratados musicales sobre la soledad, la angustia, sobre saberse equivocado y saber que aún con un millón de chances más uno terminará cagándola de la misma forma, porque su debut para Asylum records (Judee Sill 1971) es un disco que duele por todos lados, ya había descubierto la soledad y acababa de descubrir la heroína y la cocaína; cuenta la leyenda que el disco se grabó en sesiones donde la Sill estaba totalmente colgada de otro mundo, incluso en ocasiones le llegaba a escurrir sangre de la manga de la camisa, pero apenas se colocaba sobre el piano o la guitarra y empezaba a abrir la boca y llegaba la magia, ahí quedan las once canciones que originalmente fueron publicadas en el plástico original, once piezas sobre olvidarte de lo que siempre quisiste y empezar a querer lo que tienes, sobre esperar a tu príncipe azul a media noche sentada en un banca de central park con un six de cervezas, sobre esperar ser amados indefinidamente con el conocimiento de que se és un hijo de la chingada. Pero no se confundan, porque la Judee meaba alto, sus discos lejos de ser austeros poseían un belleza casi aural, muy barroca, con arreglos de cuerda y piano que suenan como estalactitas, si pones atención igual puedes oler a los fantasmas de Nina Simone, a Gram Parsons y a la Joni Mitchel de Court & Spark. Si la curiosidad crece mi querido y abúlico lector, hágase con Heart Food (Asylum 1974) un espléndido segundo disco que más bien parece un grito de auxilio desde la cloaca de la drogadicción y desde el sexo como estilo de vida, aparte de componer hermosas canciones y pincharse maratónicas dosis de heroína, la Sill se había vuelto adicta a chupar pitos de camioneros en la frontera sur de estados unidos, vaya.

Cuando se tiene dinero suficiente ser junkie puede resultar divertido, pensemos en la basura mediática que se interna en la lujosa clínica de rehabilitación con aquella expresión de mírenme, yo también soy como ustedes. El caso de Judee es el contrario, aquí el dinero es una cruz, un pretexto más para seguir atiborrándose de heroína, ácidos, pastas, cocaína, gasolina y sexo, si, la muy cabrona conoció todos los excesos, incluso en su punto más intenso su padre ( un petrolero millonario ) llega a procurarle una pensión mensual de 10 000 dólares para que la pobre se mantenga en el hype, como es de esperarse toda esa lana se va en drogas ( a esto le sumas lo que ganaba de royalties en Asylum por sus discos). No sé ustedes, pero a mí, Heart Food me deja en paro total, es uno de esos discos que sudan sangre, que se te meten en los huesos y hacen que te duelan las articulaciones, incluso me he planteado dejar de escucharle, con discos así más le vale a uno empezar a creer en algo. La folk singer más punk que ha dado la música se despide de ese jodido mundo en 1979, en México a la edad de 34 años y de la única forma que ella conocía, metiéndose un shoot de heroína, que combinado con Alcohol, coca y valium la hicieron tomar el tren a la otra vida. Si desea usted extender su temporada en el infierno habrá de procurarse Dreams Comes True (2005) hermoso y cuidado boxset de 2 discos que incluye demos, tomas extra, ensayos y piezas inéditas, todo, absolutamente todo de incalculable valor otoñal. También incluye libreto de 72 páginas con anotaciones valiosas sobre la vida de esta gran calavera del folk. Para saber que el dinero no da la felicidad, hay que haberlos conocido a ambos, el dinero y la felicidad, la Judee tuvo lo primero, pero siempre busco lo segundo.

José Ángel Balmori.



Site con rarezas en mp3 de Judee Sill.

http://www.webnoir.com/bob/music/